Świadomość ciała WSL/ATL/SC3-L
Kurs integruje różne metody pracy z ciałem i umysłem w kompleksowy program rozwijający świadomość ciała na potrzeby pracy scenicznej.
Program koncentruje się na uwalnianiu ciała od napięć i blokad, rozwijaniu uważności na własne ciało oraz obecność partnera w przestrzeni. Studenci poznają świadome wykorzystanie oddychania, przepływu impulsów ruchowych oraz integracji ciała, głosu i umysłu.
Struktura zajęć opiera się na indywidualnych i grupowych ćwiczeniach wymagających głębokiej koncentracji. Po kilku blokach treningowych studenci tworzą etiudy ruchowe w oparciu o własne zdolności, odkrywając symboliczny wymiar ruchu i rozwijając indywidualną ekspresję sceniczną.
Udział w kursie wymaga otwarcia się na proces samopoznawczy i poznawczy, angażujący i rozwijający wszystkie zmysły, wyobraźnię oraz podążanie za intuicją, czerpanie z tych doświadczeń i wiedzy, a następnie wykorzystywanie jej w pracy twórczej.
Zakres materiału obejmuje: rozwijanie uważności na własne ciało, ciało partnera i przestrzeń; uwalnianie od wewnętrznych napięć i blokad; świadome wykorzystanie procesu oddychania; integrację ciała, głosu i umysłu; rozwijanie indywidualnej ekspresji ruchowej przez kreowanie etiud ruchowych; rozwijanie myślenia abstrakcyjnego i intuicyjnego podejścia do kreacji postaci z wykorzystaniem różnorodnych źródeł inspiracji.
|
W cyklu 2025/26-L:
Materiał oraz metody wykorzystywane w semestrze letnim kładą nacisk na rozwijanie świadomości ciała oraz wykorzystywanie własnej fizyczności jako głównego środka ekspresji pozawerbalnej, po przez kreowanie etiud aktorsko ruchowych na podstawie analizy postaci, opracowania dla niej gestu psychologicznego, gestu symbolicznego oraz innych metod aktorskich czy technik z uwzględnieniem środków charakterystycznego dla teatru ożywionej formy. |
W cyklu 2026/27-L:
Materiał oraz metody wykorzystywane w semestrze letnim kładą nacisk na rozwijanie świadomości ciała oraz wykorzystywanie własnej fizyczności jako głównego środka ekspresji pozawerbalnej, po przez kreowanie etiud aktorsko ruchowych na podstawie analizy postaci, opracowania dla niej gestu psychologicznego, gestu symbolicznego, ruchu scenicznego oraz innych metod aktorskich czy technik z uwzględnieniem środków charakterystycznego dla teatru ożywionej formy. Dodatkowe cele: pobudzanie wrażliwości studenta na ruch oraz odkrywanie i nadawanie mu symbolicznego znaczenia, wykorzystanie różnych źródeł inspiracji do tworzenie etiud ruchowych lub nowych form scenicznych proponowanych przez studentów, improwizacja ruchowa oraz praca z hologramem postaci dla intuicyjnego poszukiwania fizyczności postaci. Zajęcia będą składały się z trzech części: rozgrzewka, część główna oraz rozciągania lub relaksu. |
Koordynatorzy przedmiotu
godziny zajęć kształtujących umiejętności praktyczne (liczbowo)
ECTS przypisane do zajęć kształtujących umiejętności praktyczne (liczbowo)
Efekty kształcenia
W zakresie wiedzy (W) student:
- K_W06: ma wiedzę z zakresu technicznych oraz artystycznych środków warsztatu aktorskiego i ruchowego w stopniu niezbędnym do realizacji własnych projektów artystycznych
W zakresie umiejętności (U) student:
- K_U01: używa pełni potencjału twórczego wykorzystując uniwersalizm kreatywności we wszystkich sferach swego działania, jako indywidualność artystyczna kreuje i realizuje własne projekty twórcze
- K_U04: posiada umiejętność odejścia od zapisanego tekstu, improwizując z użyciem werbalnych i niewerbalnych środków ekspresji zgodnie z założoną koncepcja artystyczną
- K_U06: posługuje się środkami wyrazu aktorskiego w połączeniu z opanowaniem techniki aktorskiej w zakresie mowy, głosu i ekspresji ciała w stopniu umożliwiającym realizację własnych projektów artystycznych
- K_U07: stosuje techniki aktorskiego treningu głosu i ciała nie powodujące uszczerbku na zdrowiu
- SATL_U03: opanował ćwiczenia umiejętności warsztatowych, które umożliwiają ciągły rozwój zawodowy poprzez samodzielną pracę
W zakresie kompetencji społecznych (K) student:
- K_K05: świadomie korzysta w pracy twórczej z zasobów własnej energii, intuicji, emocji i wyobraźni; skutecznie radzi sobie ze stresem w pracy indywidualnej i zespołowej
Kryteria oceniania
1. SEMESTR VII – ZALICZENIE BEZ OCENY
Semestr VII ma charakter czysto procesowy i buduje podwaliny pod pracę w semestrze II. Warunkiem uzyskania Zaliczenia jest:
Wypełnienie limitu frekwencji, kultura pracy (max. 2 nieobecności nieusprawiedliwione, punktualność - każda osoba ma limit dwóch „darmowych” spóźnień. Kolejne 2 spóźnienia będą traktowane jako 1 nieusprawiedliwiona nieobecność).
Aktywny udział w co najmniej 80% ćwiczeń warsztatowych (zaangażowanie w proces, brak postawy biernej, przygotowanie i gotowość do zajęć, koncentracja, próbowanie nowych jakości pracy z ciałem, znajomość ustaleń z poprzednich zajęć, wyciąganie wniosków z uwag pedagogicznych).
3. Umiejętność pracy w grupie/partnerowanie/granice (szacunek do ciała własnego i partnera, świadomość granic własnych i partnera, jasna komunikacja zgody (consent) na dotyk/kontakt fizyczny, dbanie o bezpieczeństwo swoje i innych).
4. Samodzielność myślenia i wkład własny (aktywne prowadzenie własnych poszukiwań ruchowych, odbywanie prób, samodzielne szukanie inspiracji, dojrzałe podejście do własnego rozwoju, przenoszenie pracy warsztatowej na własny język aktorski).
Jeżeli student nie spełni powyższych warunków, otrzymuje Brak Zaliczenia.
2. SEMESTR VIII – ZALICZENIE Z OCENĄ
Ocenę końcową stanowi suma punktów zgromadzonych w ciągu semestru oraz za końcową etiudę ruchowo-aktorską.
Rozbicie kryteriów na punkty:
A. Frekwencja, przygotowanie i kultura pracy (15 pkt)
15 pkt – 100% frekwencji lub 1 usprawiedliwiona nieobecność, stałe przygotowanie.
10–14 pkt – 1–2 nieobecności, pojedyncze spóźnienia.
0–9 pkt – Wykorzystany limit nieobecności, powtarzające się spóźnienia, brak stroju.
B. Zaangażowanie i proces warsztatowy (20 pkt)
17–20 pkt – Pełna koncentracja, przekraczanie własnych stref komfortu, konsekwentna praca nad świadomością ciała, wyciąganie wniosków ze wskazówek pedagogicznych.
10–16 pkt – Poprawne wykonywanie ćwiczeń, sporadyczny spadek koncentracji, reaktywność zamiast proaktywności (przenoszenie odpowiedzialności za siebie na innych vs. branie odpowiedzialności za własny rozwój)
0–9 pkt – Postawa zachowawcza, brak chęci do podejmowania ryzyka artystycznego/ruchowego, bierne przeczekiwanie ćwiczeń.
C. Umiejętność pracy w grupie, partnerowanie, kultura zgody (15 pkt)
13–15 pkt – Wysoka uważność na partnera i dbanie o bezpieczeństwo w ruchu. Dojrzała komunikacja w zakresie zgody (consent): aktywne sprawdzanie granic w improwizacji, klarowne komunikowanie własnych ograniczeń (np.kontuzje, złe samopoczucie) oraz pełny szacunek dla granic wyznaczonych przez partnera. Umiejętność słuchania, adaptacji, proponowania alternatywnych form realizacji zadania bez wycofywania się z procesu.
8–12 pkt – Poprawna współpraca i respektowanie podstawowych zasad bezpieczeństwa. Sporadyczne pomijanie komunikatów od partnera lub skupianie się głównie na własnym ciele. Respektowanie wyrażonych wprost granic, ale z ograniczoną proaktywnością w upewnianiu się o zgodę przed bardziej dynamicznym lub bliskim kontaktem fizycznym.
0–7 pkt – Ignorowanie partnera/grupy oraz przekraczanie granic fizycznych lub emocjonalnych innych uczestników (brak pytań o zgodę, ignorowanie sygnałów „stop” lub dyskomfortu). Stwarzanie zagrożenia w dynamicznych zadaniach ruchowych, brak elastyczności i znaczne trudności w pracy zespołowej.
D. Samodzielność myślenia i wkład własny (15 pkt)
13–15 pkt – Aktywne prowadzenie własnych poszukiwań ruchowych oraz wykraczanie poza ramowy czas zajęć (odbywanie prób własnych/zespołowych, samodzielne szukanie inspiracji). Zadawanie dojrzałych pytań, przenoszenie pracy warsztatowej na własny język aktorski oraz wnoszenie autorskich rozwiązań do zadań i etiudy finałowej. Dojrzałe podejście do własnego rozwoju.
8–12 pkt – Poprawne wykonywanie poleceń i zadań, ale z ograniczoną własną interpretacją. Praca nad zadaniami ogranicza się głównie do czasu trwania zajęć (sporadyczna lub pobieżna praca własna poza zajęciami). Brak głębszej refleksji nad własną motoryką oraz rzadkie podejmowanie inicjatywy twórczej.
0–7 pkt – Brak inicjatywy i brak pracy własnej poza zajęciami (brak przygotowania materiałów, nieodbywanie prób zespołowych/indywidualnych do etiudy). Postawa bierna, oczekiwanie na gotowe rozwiązania od prowadzącego oraz brak refleksji nad własnym procesem i możliwościami ciała.
E. Zadanie główne: Etiuda ruchowo-aktorska (35 pkt) (Dotyczy semestru 2)
Oceniana pod kątem zastosowania narzędzi poznanych w ciągu całego roku:
Świadomość formy i kompozycji ruchowej (10 pkt) – spójność dramatyczna/ruchowa, wykorzystanie przestrzeni, dynamika, rytm.
Jakość i precyzja wykonania (10 pkt) – plastyka ciała, napięcie mięśniowe, kontrola centrum, ucieleśnienie intencji aktorskiej.
Prawda aktorska w ruchu (10 pkt) – integracja ruchu z emocją, motywacja działań, brak „pustej demonstracji”.
Oryginalność i autorskie podejście (5 pkt) – pomysłowość formalna i interpretacyjna.
5. SKALA OCEN KOŃCOWYCH (Semestr VIII)
91 – 100 pkt - bardzo dobry (5.0)
81 – 90 pkt - plus dobry (4.5)
71 – 80 pkt - dobry (4.0)
61 – 70 pkt - plus dostateczny (3.5)
50 – 60 pkt - dostateczny (3.0)
0 – 49 pkt - niedostateczny (2.0)
Literatura
- Michaił A. Czechow, „O technice aktora”, Wydawnictwo Akasza, Kraków 1995
- Kristin Linklater: „Uwolnij swój głos - tworzenie obrazów w pracy nad głosem i mową”, PWST im. L. Solskiego w Krakowie, 2012
- Thomas W. Myers, "TAŚMY ANATOMICZNE MERIDIANY MIĘŚNIOWO-POWIĘZIOWE DLA TERAPEUTÓW MANUALNYCH I SPECJALISTÓW LECZENIA RUCHEM", DB Publishing, 2015
- Gilbert Renaud, "Recall Healing: Uzdrawianie przez świadomość", WENA Studio Twórczej Ekspresji, 2014
- Amanda Armstrong, „Leczenie poprzez nerw błędny. Pokonaj lęk, depresję, stres i traumę poprzez regulację układu nerwowego", 2025
- Marzena Wiśniewska, Karol Suszczyński, „Puppetry in the 21st Century: Reflections and Challenges”, AT im. A. Zelwerowicza w Warszawie Filia w Białymstoku, 2019
Źródło: https://atb.edu.pl/wp-content/uploads/2019/10/Puppetry_in_the_21st_Century_e-book.pdf
|
W cyklu 2025/26-L:
- Michaił A. Czechow, „O technice aktora”, Wydawnictwo Akasza, Kraków 1995 |
W cyklu 2026/27-L:
- Michaił A. Czechow, „O technice aktora”, Wydawnictwo Akasza, Kraków 1995 |
Uwagi
|
W cyklu 2025/26-L:
Podczas zajęć obowiązuje całkowity zakaz korzystania z telefonów komórkowych oraz wnoszenia ich do sal dydaktycznych. Korzystanie z nich może być tylko w uzasadnionych przypadkach i za zgoda pedagoga. |
W cyklu 2026/27-L:
Wymagania: Podstawowa sprawność fizyczna, brak przeciwwskazań zdrowotnych do intensywnego ruchu tanecznego (w razie wątpliwości — konsultacja z lekarzem). |
Więcej informacji
Więcej informacji o poziomie przedmiotu, roku studiów (i/lub semestrze) w którym się odbywa, o rodzaju i liczbie godzin zajęć - szukaj w planach studiów odpowiednich programów. Ten przedmiot jest związany z programami: